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Giorno 3 e ancora zio e nipoti in una lotta all'ultimo tiro per la supremazia. Siamo nel 1938 e il canovaccio di base di questi corti era ormai più che stabilito.

#Natele #Disney #RecensioniFuoriTempo
i corti disney una partita a golf (1938) Non lo avevamo ancora raccontato, ma Carl Barks fu sceneggiatore di molti dei primi corti di Paperino. Fu lui, come ben sappiamo, a creare, costruire e ampliare tutti i personaggi e le situazioni che caratterizzarono Paperino e il suo mondo. I fumetti furono certamente il suo terreno di caccia privilegiato, ma sua fu l’introduzione dei nipotini e sua è anche la scrittura di questo corto del 1938. Una partita a golf fu il terzo cartone di fila, nello stesso anno, con Qui, Quo e Qua ad accompagnare lo zio, segno di quanto si credesse nei personaggi e di quanto si avesse fretta di creare un microcosmo stabile in cui far muovere Paperino con sicurezza. Questo corto, come molti altri della serie, non ha una vera e propria trama: viene presa una situazione, viene messo Paperino al centro nel tentativo di fare qualcosa e vengono messi altri elementi sullo sfondo, spesso e volentieri i nipoti, che lo disturbano, lo destabilizzano, lo fanno arrabbiare e gli fanno fare brutta figura. Qui la situazione è il golf e tutto si riduce a una lunga serie di gag veloci, più o meno riuscite, dove l’esito è chiaro sin da subito. Paperino non è e non potrà mai essere un golfista: per quanto si atteggi lui resta sempre un sempliciotto irascibile e iracondo, sul quale si scagliano sempre le peggiori sfighe. Un destino che non cambierà mai: anche se sai già come andrà a finire, impossibile non divertirsi.
December 3, 2025 at 7:57 AM
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Giorno 2 nel nostro #Natale dedicato a Paperino. Qui entriamo nella sua storica serie regolare con l'esordio assoluto di tre personaggi ancora oggi amatissimi: Qui, Quo e Qua.

#Disney #RecensioniFuoriTempo
i corti disney i nipoti di paperino (1938) A soli quattro anni dal suo esordio nelle Sinfonie Allegre il “mondo” di Paperino e dei corti Disney si era totalmente capovolto. Da personaggio “mordi e fuggi” il buon Donald si era trasformato molto presto in uno standard character, una superstar capace di entrare nel cuore degli spettatori, affiancando e poi surclassando la stella dell’apparentemente insuperabile Topolino. Così, mentre la stella della mascotte della mascotte si offuscava, quella del nuovo arrivato diventava sempre più luminosa. Da “accompagnatore” di Topolino nelle sue gesta - i corti insieme a Pippo erano diventati i più amati della serie di Mickey Mouse - Paperino guadagnò una serie regolare tutta sua come protagonista che, in poco tempo, ottenne molto più successo di quella principale. Mentre Topolino non riusciva a stare al passo coi tempi, Paperino aveva tutte le caratteristiche per intercettare i gusti del pubblico dell’epoca: le sue non erano mai imprese eroiche ma momenti di vita di tutti i giorni dove le cose gli andavano sempre piuttosto male e lui era continuamente sottoposto alle torture peggiori; la gente ci si riconosceva perché gli vedeva vivere i problemi di tutti. Qui lo vediamo alle prese con i suoi celebri nipoti, qui alla loro prima apparizione: dovrà fare i conti con la loro cattiveria, nel tentativo, senza successo, di educarli e rabbonirli. Mai più Qui, Quo e Qua avrebbero raggiunto vette così alte di cinismo e malignità, ma I Nipoti di Paperino fissò uno schema che avrebbe fatto la fortuna della serie e iniziò a costruire un mondo, quello dei paperi che, tra fumetti e animazione, avrebbe cambiato la Disney per sempre.
December 2, 2025 at 8:38 AM
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Dicembre è iniziato e con lui anche un viaggetto nell'animazione Disney degli anni d'oro, con alcuni corti storici dedicati al mitico Paperino. E partiamo proprio dalle origini e dal lontano 1934.

#Disney #Natale2025 #RecensioniFuoriTempo
i corti disney la gallinella saggia (1934) Prima che gli fosse regalata una serie tutta sua, il buon Paperino fece la sua prima apparizione in uno storico corto della fortunatissima serie delle Silly Symphony: la sua, come accadeva per la maggior parte dei personaggi di questi film musicali, doveva essere un’apparizione unica, ma il personaggio e il corto riscossero talmente tanto successo da trasformare il buon papero vestito da marinaio in una vera e propria star. La Gallinella Saggia, come indica il titolo, mette Paperino nel ruolo di semplice comprimario insieme al suo amico Peter Pig: vera protagonista è una gallina e i suoi piccoli, intenti a piantare e raccogliere semi; la loro ricerca di aiuto si rivela infruttuosa per la ben poca voglia del maiale e del papero di lavorare. Come ogni buona favola che si rispetti, i due riceveranno la beffarda punizione che si meritano per aver fatto di tutto per non aiutare, preferendo l’ozio e il divertimento al dovere. Una trama semplice per una storiella piuttosto classica che punta tutto sulla cura delle animazioni - veramente incredibile - e sul ritmo musicale di ogni scena. Paperino, seppur con un design molto più “animalesco” rispetto a quello tipico che avrebbe assunto qualche anno dopo, ha tutte le caratteristiche, fisiche e caratteriali, che lo renderanno il personaggio più amato di tutti, compresa l’iconica e incomprensibile parlata di Clarence Nash. In Disney, prima su carta e poi in video, si accorsero quasi subito dell’importanza del personaggio: quella che doveva essere un’apparizione unica si trasformò presto nell’esordio di un’icona intramontabile.
December 1, 2025 at 7:44 AM
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Hal Ashby sempre troppo sottovalutato: Harold e Maude è un film delizioso, una storia d'amore che è anche un inno alla vita e a conservare la propria unicità.

#Cinema #CineSky #FilmFuoriTempo #RecensioniFuoriTempo
harold e maude Hal Ashby (1971) Hal Ashby ha sempre avuto uno sguardo unico sul mondo, rivoluzionario per la sua epoca, in piena sintonia con i sentimenti della New Hollywood e di una società che voleva distaccarsi dal suo passato per provare ad essere diversa, anticonformista, ribelle o, semplicemente, più libera. Harold e Maude è il racconto dello strano rapporto tra un giovane all’inizio dell’età adulta e una donna alla fine della sua vita: i due poli opposti, sotto tutti i punti di vista, intraprenderanno un viaggio spensierato, felice, ma anche doloroso che li cambierà per sempre. Tutto poteva dar vita al più classico dei film emotivamente impegnati, una di quelle parabole tra gioia e tristezza che abbiamo visto milioni di volte, ma questa storia è profondamente diversa dalle altre. In primo luogo il film non si prende mai sul serio, sfocia spesso e volentieri nel surrealismo e nella follia e ci propone due protagonisti totalmente fuori dagli schemi sociali, due “diversi” incurabili. Harold è un ragazzino solo e turbato, a cui piace andare ai funerali e far finta di suicidarsi in modi ogni volta più creativi davanti a sua madre; anche a Maude piace andare ai funerali ma il suo è solo un desiderio di viaggiare a tutta velocità a cavallo della vita, tra sorrisi, spensieratezza e auto rubate. Uno rappresenta la morte, l’altro la vita ed entrambi, alla fine, riceveranno qualcosa dal loro incontro. Il film fa sorridere e riflettere, racconta molto bene alcuni aspetti della modernità e regala momenti davvero riusciti, valorizzati da un Ashby in stato di grazia, capace di accompagnare il tutto con inquadrature evocative e profonde e scene che rimangono impresse per la loro impareggiabile forza simbolica.
November 29, 2025 at 7:34 AM
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Rispetto alla media dei live action Disney questo Lilo e Stitch è oro che cola: il problema è che queste operazioni le ho sempre trovate abbastanza inutili.

#Cinema #CineSky #RecensioniFuoriTempo
lilo e stitch Dean Fleischer Camp (2025) Lilo e Stitch è un film che vive totalmente nel riflesso della sua controparte animata e si fonda sull’amore incondizionato che una buona fetta di pubblico ha verso l’opera originale di Chris Sanders del 2002. L’obiettivo, più che palese sin dai primi minuti, era uno e uno soltanto: non cambiare quasi nulla e attenersi il più possibile al canovaccio originale. Il risultato è un adattamento che ricalca tutto ciò che nel cartone funzionava e che fa giusto qualche modifica per rendersi credibile e verosimile e per non riempire il lavoro di effetti speciali e CGI. Il vero punto di forza del film è proprio quello di apparire come vero, autentico e “realistico”. La computer grafica non è mai soverchiante ma solo un arricchimento agli attori in carne e ossa, un obiettivo che, con le trasposizioni di altri classici molto più “fantasiosi” era impossibile e dava vita a ibridi dove a farla da padrone erano sfondi e oggetti ricreati in digitale. Lilo e Stitch, ambientato in un posto realmente esistente ed essendo ancorato al nostro presente, si adattava molto bene a questa semplicità e, per una volta, in Disney sono stati molto bravi a capirlo e a “cavalcare l’onda” senza stravolgimenti, consapevoli di un prodotto che viveva di un perfetto equilibrio che era inutile stravolgere. Risultati che hanno del miracoloso, vista la sequela di fallimenti degli ultimi anni (Pinocchio, Peter Pan, La Sirenetta e, soprattutto, l’obbrobrioso Biancaneve), ma che non spostano di una virgola la natura di questo tipo di operazioni: macchine da incasso facile che, quando va bene, non aggiungono nulla all’opera originale mentre, quando va male, sono un insulto a capolavori che hanno fatto la storia del cinema d’animazione.
November 28, 2025 at 8:26 AM
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Da Il Mostro di Sollima mi aspettavo qualcosa di molto diverso, ma si tratta comunque di un prodotto ben realizzato e che ha qualcosa da dire, provando a offrire un punto di vista diverso dal solito.

#SerieTV #Streaming #RecensioniFuoriTempo
il mostro (2025) Sinceramente, le aspettative erano diverse: non migliori, non peggiori, solo differenti da ciò che poi è stato alla fine Il Mostro, questa miniserie Netflix diretta da Stefano Sollima. Mi aspettavo un excursus completo e romanzato su una delle vicende italiane più lunghe e complesse di sempre, un thriller che si occupasse degli omicidi e delle indagini nel corso degli anni, magari viaggiando tra diversi piani temporali. Invece la scelta di questa serie è stata radicale e originale, concentrandosi sul primissimo omicidio, quello del 1968, e sul primo filone delle indagini sul serial killer fiorentino, la cosiddetta pista sarda. Quattro puntate che scandagliano lo stesso periodo ma visto da quattro punti di vista diversi, quelli dei quattro sospettati (e poi tutti assolti) per quell’episodio. Niente Pietro Pacciani, niente “compagni di merende”, niente sui filoni più corposi delle successive indagini, ma solo un lungo viaggio avanti e indietro sulla stessa linea temporale per capire come tutto ha avuto inizio. Apprezzabile la voglia di venir fuori da un racconto che sarebbe stato troppo classico, per raccontare invece un punto di vista diverso, che parte da un assunto ben preciso (e spesso discusso) ma che dà vita a un racconto sorprendente e che si svela episodio dopo episodio. Sollima come sempre magistrale nel creare atmosfera giocando tutto su un’oscurità persistente e ingegnosi tagli di luce, che siano quelli di una torcia o i fari di una macchina nella notte. Anche gli agganci all’attualità e alla violenza di genere, seppur prevedibili, funzionano. A non funzionare sempre benissimo è invece un avanti e indietro nel tempo spesso confusionario e una ricostruzione storica e degli ambienti un po’ anonima. Il Mostro non da risposte, se ne frega delle aspettative, della completezza e della verità in senso assoluto, ma è una buona serie: il resto lasciamolo ai documentari.
November 26, 2025 at 8:45 AM
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Dicembre è ormai alle porte e questa è una delle classiche raccolte di storie a tema della Marvel. Solo per veri appassionati delle feste.

#Natale #Fumetti #RecensioniFuoriTempo
e storie di natale dei supereroi AA.VV. panini (2025) Il piacere delle feste natalizie è molto forte nei fumetti, con personaggi più o meno conosciuti che si ritrovano a vivere le loro avventure durante il periodo più bello dell’anno. Marvel ha una lunga e fiorente tradizione di special natalizi ed è innegabile che i suoi eroi ben si adattano alle feste e alle loro atmosfere. E ogni anno per Panini è la giusta occasione per proporre gli special fumettistici più recenti. Le storie di Natale dei Super Eroi è un agile volumetto con copertina rigida di poco più di 60 pagine, con una serie di storie brevi inedite e molto recenti. Ce n’è davvero per tutti i gusti, dai Fantastici 4 agli X-Men, passando per Spider Man, più una selezione di fumetti con alcuni degli animali Marvel più celebri. Raccontini leggeri, senza troppe pretese o complessità, perfetti per donare la giusta atmosfera e per una lettura rapida e veloce: sono anche un buon modo per fotografare il presente del fumetto supereroistico americano e il suo modo di rapportarsi alle festività: il taglio è moderno, inclusivo, attento ad essere classico ma anche aperto alle novità. La Marvel ha dalla sua una freschezza e un tono che ben si adattano a questi momenti quanto mai leggeri e di gioiosi, dove si può lasciare spazio al divertimento e ai buoni sentimenti. E Natale in fondo è bello anche per questo.
November 25, 2025 at 9:05 AM
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Film che non ha bisogno di troppe presentazioni: capolavoro vero della settima arte, un po' come tanti altri film di Kubrick.

#Cinema #CineSky #FilmFuoriTempo #RecensioniFuoriTempo
arancia meccanica stanley kubrick (1971) Difficile non trovare capolavori nell’incredibile filmografia di Stanley Kubrick. Difficile, nonostante tutto, non considerare Arancia Meccanica come uno dei suoi lavori più potenti e iconici. Un atto di coraggio incredibile e assoluto per un film sovversivo sotto tutti i punti di vista, che immagina un futuro distopico e indefinito, raccontato attraverso un uso originale dell’estetica, delle scenografie, dei costumi e del linguaggio. Al centro della scena il giovane Alex, teppista che con il suo gruppo di amici si dedica alla pratica dell’ultraviolenza, macchiandosi di atti terribili per puro piacere personale. Le cose cambieranno radicalmente quando il ragazzo verrà tradito dai compagni, incarcerato e inserito in uno sperimentale programma di rieducazione che lo priverà della sua stessa identità. A un primo sguardo il film potrebbe essere pensato come un semplice quanto creativo sfoggio di violenza folle e insensata, ma in realtà Arancia Meccanica fa molto di più, approfondendo quella violenza e analizzandone le declinazioni più profonde. E quella che Kubrick ci mostra è una società profondamente crudele, che vuole fermare la violenza con altra violenza. Inserito in un sistema di regole e leggi, Alex si trova a subire una sorte terribile, rinchiuso in una morsa di soprusi senza scampo dopo la quale non sarà più lo stesso. Arancia Meccanica immagina un futuro immaginario ma in una società che è la copia carbone della nostra: una denuncia beffarda, glaciale e cinica del nostro mondo e della nostra società, di chi ci governa e dei mostri che ogni giorno riesce a partorire. Siamo figli di una madre che ci ha creato ma a cui non siamo mai piaciuti e che cerca ogni giorno di nasconderci e sopprimerci, piuttosto che aiutarci.
November 22, 2025 at 8:24 AM
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Grandi idee e ambizione alle stelle ma risultato non buonissimo. Megalopolis è un delirio di onnipotenza senza costrutto e controllo: il flop era assicurato, purtroppo.

#Cinema #CineSky #RecensioniFuoriTempo
megalopolis francis ford coppola (2024) Il progetto di una vita, probabilmente l’ultimo grande capitolo di una carriera incredibile: Megalopolis è Coppola contro Hollywood, il progetto più ambizioso di tutti, quello che ha sempre voluto fare ma che nessuno voleva produrre o distribuire. E allora il regista de Il Padrino il film della vita lo ha fatto da solo, con i suoi soldi, con le sue sole forze, senza l’appoggio di nessuno. Una grande vittoria per un uomo alla fine della sua carriera, ma con ancora un grande sogno da portare a compimento e, forse, una grande vittoria per il cinema come movimento libero e artistico. Ma, purtroppo, i sogni sono sogni e i film sono film e in qualche modo devono rispondere a regole ben precise e Megalopolis di regole non ne segue neanche una. Quello ideato, diretto, prodotto e scritto da Coppola è un pasticcio delirante e anarchico, totalmente fuori dagli schemi, messo insieme senza alcun tipo di controllo o criterio. Pieno di idee buonissime, di scene grandiose, di ottimi attori e di buoni spunti, sembra un pasticcio di buone cose messe insieme un po’ a caso senza un minimo di costrutto o di attenzione per lo sviluppo drammatico della trama e di ciò che la compone. C’è una New York dispotica che assomiglia alla Roma Antica, dilaniata da lotte di potere intestine con al centro un architetto con il potere di fermare il tempo e il sogno di costruire la perfetta megalopoli del futuro. L’idea era vincente, la rappresentazione distorta di ciò che siamo funziona e la mano è sempre quella di un regista creativo e di alto livello; il problema è tutto il resto, tra prove attoriali inutilmente caricate, citazioni continue e fuori luogo, incongruenze, spiegazioni che non esistono e svolte drammatiche totalmente depotenziate, amplificate da una parte finale che affossa ulteriormente una struttura già parecchio scricchiolante. Megalopolis sarà pure stato un grande sogno, ma di certo non è un buon film.
November 21, 2025 at 8:17 AM
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I Fratelli D'Innocenzo ci regalano una serie incredibile e unica nel suo genere. Dostoevskij è un vortice nero immerso nel male e nell'oscurità, respingente e unica nel suo genere.

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dostoevskij (2024) Pochi sono gli autori capaci di trovare qualcosa di bello nel brutto, di valorizzare anche le cose più nere, oscure e abbiette. Damiano e Fabio D’Innocenzo provano da tempo a fare proprio questo e con Dostoevskij riescono addirittura a superarsi: quella trasmessa da Sky alla fine del 2024 è una miniserie televisiva che non ha eguali nel panorama seriale italiano e che parla un linguaggio unico anche a livello internazionale. Si colloca fuori dal tempo, quasi ai margini dell’umanità, raccontando di un mondo alla deriva, decadente e decaduto. Che sia all’interno, in un dismesso casolare di provincia, o all’esterno, in un campo brullo e nebbioso, non fa differenza: tutto è diroccato e degradato, tutto cade a pezzi, tutto è orribile e disturbante. Non fatevi ingannare da chi vi dice che si tratta di una versione italiana di True Detective: i punti in comune, soprattutto nel nichilismo esistenziale di fondo e nel “detective che indaga su un serial killer”, ci sono, ma quello portato avanti da Dostoevskij è un racconto molto diverso, molto più duro, molto più crudo, molto più forte e “difficile". Si parla di personalità disturbate e violente, di traumi irrisolvibili e di temi delicati, dalla violenza alla pedofilia, passando per il suicidio, la droga e le dipendenze. Un nero che avvolge tutto ma che non affascina mai, che disturba la visione, accompagnato da scelte di tono, recitazione e visive che non danno mai respiro. Una serie che sceglie di parlare del male e decide di non girarci mai attorno, ma di affrontarlo a muso duro, tuffandocisi dentro con tutta se stessa. Dostoevskij prima ci illude che stia tutto nella caccia a un terribile assassino e nelle indagini che ci sveleranno la sua identità, ma ci racconta molto di più, ci parla del brutto di noi e di ciò che ci circonda e non ci consola mai, quasi a volerci dire che questo male, questa decadenza, questo orrore, farà sempre parte di noi.
November 19, 2025 at 8:41 AM
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Il sequel del "crossover" tra Batman (o meglio, l'universo DC) e Babbo Natale. Un gran casino, ma tutto sommato è divertente e ha la giusta atmosfera festosa.

#Fumetti #BookSky #RecensioniFuoriTempo
batman e babbo natale: il ritorno del cavaliere redentore parker, bandini panini (2025) E fu così che Babbo Natale entrò ufficialmente nell’universo DC. Questo secondo capitolo della storia di Jeff Parker non fa altro che certificare il nuovo status di supereroe del portatore di doni più importante al mondo: la prima storia ce lo aveva presentato, mettendolo al centro della scena come spalla di Batman; Il Ritorno del Cavaliere Redentore invece lo getta a capofitto nel mega universo espanso della Justice League, quello dove convivono eroi storici, nuove leve, mostri, maghi e chi più ne ha più ne metta. A venirne fuori è un divertente, adrenalinico e folle “casino”, con una trama assurda dove gli eroi si ritrovano a combattere un cavaliere senza volto che assorbe la forza vitale dal mondo nei giorni immediatamente precedenti al Natale, quelli del solstizio d’inverno, dove i confini tra le realtà si fanno più labili e la magia entra con prepotenza nel mondo reale. Seguire il filo diventa difficilissimo, soprattutto per i non avvezzi agli ultimi sviluppi di quest’universo fumettistico, ma qualcosa riesce sempre e comunque a catturare l’attenzione, che sia un’intuizione, una battuta o un personaggio. A dare al lavoro una marcia in più sono ancora una volta le tavole di Michele Bandini, davvero dinamiche, profonde e ricche di colore e dettagli, capaci di donare un senso a un caos di personaggi e situazioni intricatissimo. Alla fine della fiera vale lo stesso discorso del primo volume: leggetelo solo se amate le storie natalizie o il caos incontrollato della DC al suo massimo. Per tutti gli altri meglio una bella lettura di Klaus di Grant Morrison.
November 18, 2025 at 8:12 AM
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Un film seminale, importantissimo esponente di un nuovo modo di fare cinema in America alle porte degli anni '70. Midnight Cowboy è bellissimo e con due protagonisti indimenticabili.

#Cinema #CineMastodon #RecensioniFuoriTempo #FilmFuoriTempo
un uomo da marciapiede John Schlesinger (1969) La New Hollywood, come tutte le ondate di “nuovo cinema” di quegli anni, era decisa a raccontare storie che nessuno voleva sentirsi raccontare e a farlo in un modo del tutto diverso dal solito. Un atto di coraggio non indifferente, soprattutto negli Stati Uniti, patria da sempre del cinema più classico e commerciale. John Schlesinger, insieme a Waldo Salt, decise di adattare per il grande schermo una storia che nessuno, fino a pochi anni prima, avrebbe avuto il coraggio di raccontare: Joe parte dal Texas per New York in cerca di fortuna, convinto di fare soldi facili facendo il gigolò per donne facoltose; tutto andrà malissimo ma l’uomo troverà inatteso conforto nell’amicizia con uno scapestrato truffatore. Un Uomo da Marciapiede è il sogno americano al contrario, uno spaccato crudo di una vita urbana molto diversa da quella luci e paillettes raccontata fino a quel momento: una società indifferente, cinica, dove la povertà dilaga, la ricchezza è per pochi e la diversità viene ghettizzata ed emarginata. Un film duro e toccante, che riesce a non prendersi sul serio e che prova a trovare un certo grado di consolazione nell’umanità spontanea e sincera dei due protagonisti. Dustin Hoffman e Jon Voight non solo danno vita a due interpretazioni magistrali, ma ci regalano due personaggi di profonda sensibilità, due anime che lasciano il segno e commuovono, due spiragli di luce in un mondo terribile. Schlesinger contorna tutto questo con uno fortissimo spirito anarchico, infarcendo il film di efficaci carrellate, montaggi musicali e flash continui, inserti quasi “lisergici” nella messa in scena tradizionale che approfondiscono la storia scavando dentro i personaggi e la loro testa. Un film classico e innovativo allo stesso tempo, tra i primi ad avere il coraggio di raccontare cose e affrontare temi di cui il cinema sembrava non volersi occupare. Ma il cambiamento ormai non poteva più essere fermato.
November 15, 2025 at 8:09 AM
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La Formula 1 non è mai stata così bella e appassionante: un film ben fatto, girato magnificamente e dove tutto trasuda realismo. Alla fine è il solito e banalissimo film sportivo, ma si lascia guardare dai.

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f1: il film joseph kosinski (2025) Uno spot esaltante, pulito, politicamente corretto e divertente della Formula 1. Si può sostanzialmente ridurre a questo il film con Brad Pitt nei panni del pilota veterano Sonny Hayes. Quello che i produttori avevano in mente era probabilmente dar vita a una vetrina nella quale mostrare tutta la bellezza della Formula 1, proponendola al pubblico nella miglior veste possibile, quella “accessibile” anche ai non appassionati di motori. Questa versione di Hollywood della categoria motoristica più importante al mondo riesce a proporre il meglio dal punto di vista tecnologico e della messa in scena: il film ha il grande pregio di calarsi perfettamente nella realtà che decide di raccontare. Quella che ci viene mostrata è la vera F1, con i veri piloti, i veri addetti ai lavori, i veri circuiti, le vetture reali; tutto trasuda veridicità e il realismo con cui sono state girate le scene in pista raggiunge la perfezione, grazie a un dispiego di mezzi pazzesco e a una regia ottima e sempre sul pezzo. Il risultato è una Formula 1 molto più bella, romantica e appassionante di quella reale, con emozioni caricate a mille e ogni tipo di criticità furbescamente eliminata. A latitare, purtroppo, è tutto il resto: trama, impianto narrativo e personaggi sono un concentrato di semplificazioni e banalità, un contorno utile solo a portare avanti la storia verso la curva successiva. Il rapporto tra il giovane inesperto e il vecchio veterano, il grande riscatto finale, la corsa contro il tempo per la salvezza, la storia d’amore, i traumi del passato che ritornano, le belle speranze infrante: tutto grida prevedibilità, tutto sa di già visto. Nessuna vera sorpresa, per una storia già tutta li sin dai primi minuti, ma che forse proprio per questo è piaciuta così tanto al pubblico. Sai sempre cosa aspettarti e riesci a vedere gare molto più divertenti e appassionanti di quelle vere: lo spot pubblicitario perfetto.
November 14, 2025 at 8:14 AM
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House of Guinness non sarà la serie dell'anno, ma funziona bene, ha il giusto grado di "figaggine" ed è scritta con cognizione di causa. E poi si parla di birra...
house of guinness (2025) Steven Knight pensa agli orfani di Peaky Blinders e decide di dar vita a una serie che cerca in qualche modo di ricalcarne lo stile, seppur spostandosi su altri lidi e altre storie. Qui si parla di storie più o meno vere, fatti reali che vengono rimaneggiati per dar vita a intrecci, amori, azione e violenza: la storia è quella della Guinness - la famosa fabbrica di birra di Dublino - alla fine dell’800, nell’esatto momento in cui il patriarca della famiglia è morto lasciando il suo impero in eredità ai quattro figli. Il racconto nella sua forma e sviluppo è classico, andando sul sicuro con le “solite” storie di eredità e successione, di imperi che si espandono perdendo la loro anima e di compromessi con se stessi e con la propria natura pur di raggiungere il successo. Niente di nuovo sotto il sole ma è la cornice in cui tutto questo è racchiuso ad accendere la scintilla di House of Guinness: Knight è un vecchio volpone e oltre a far filare le sue storie lisce come l’olio le circonda di “figaggine”: Fontaines D.C. e tutto l’alternative rock del mondo mescolato con la musica tradizionale a fare da colonna sonora, protagonisti bellissimi e “maledetti”, violenza e sesso, esplosioni con tanto di rallenty. Il racconto nella sua forma e sviluppo è classico, andando sul sicuro con le “solite” storie di eredità e successione, di imperi che si espandono perdendo la loro anima e di compromessi con se stessi e con la propria natura pur di raggiungere il successo. Niente di nuovo sotto il sole ma è la cornice in cui tutto questo è racchiuso ad accendere la scintilla di House of Guinness: Knight è un vecchio volpone e oltre a far filare le sue storie lisce come l’olio le circonda di “figaggine”: Fontaines D.C. e tutto l’alternative rock del mondo mescolato con la musica tradizionale a fare da colonna sonora, protagonisti bellissimi e “maledetti”, violenza e sesso, esplosioni con tanto di rallenty.
November 12, 2025 at 9:03 AM
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Ormai quella del Batman Day è diventata un'uscita annuale anche per Panini. Il volume di quest'anno raccoglie storie multiformi e uno sguardo variegato sul mondo del Cavaliere Oscuro.

#Fumetti #BookSky #RecensioniFuoriTempo
batman day 2025 AA.VV. panini (2025) Il Batman Day è da un po’ di tempo occasione perfetta per Panini di pubblicare volumi “commemorativi” capaci di raccogliere al loro interno storie più o meno lunghe e più o meno varie dedicate all’Uomo Pipistrello. A volte ci si è concentrati su temi specifici ma mai come quest’anno si è deciso di puntare tutto sulla varietà, intitolando il lavoro “I Tanti Volti del Cavaliere Oscuro”. Nelle quattro brevi storie che contiene, questo volume celebrativo prova a raccontare Batman da differenti punti di vista, corrispondenti alle idee e al pensiero di altrettanti autori. Così Mike Mignola getta l’eroe di Gotham in un incubo onirico alla Hellboy con tanto di non morti, spiriti e sangue; Tom King lo impegna in imprese giornaliere sempre più assurde; Kevin Smith e Jim Lee ci parlano del suo passato e Alan Grant lo fa trasferire in Scozia per l’avventura più corposa di questo piccolo albo. Non si tratta certamente delle storie migliori e più complete per “capire” Batman e il suo mito ma sono certamente delle più che interessanti variazioni sul tema, utili a comprendere la duttilità profonda di un eroe ormai entrato nell’immaginario comune e capace di sincronizzarsi con le corde e la creatività di numerosi artisti. Un personaggio ormai universale, da plasmare a proprio piacimento a patto di rispettarne le caratteristiche fondamentali: e questi quattro fumetti capiscono Batman e lo rispettano, dandogli giustizia e permettendo al suo mito di andare avanti ancora per tanti anni, per tanti Batman Day, per tante nuove avventure.
November 11, 2025 at 8:00 AM
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Tornano i #FilmFuoriTempo e voliamo alla fine degli anni '60 con questa piccola perla firmata Ken Loach. Kes è un film delicato ma di grande forza.

#Cinema #CineSky #RecensioniFuoriTempo
kes ken loach (1969) Tra i principali esponenti del free cinema inglese, Ken Loach fu uno dei numi tutelari di un nuovo modo di fare film in Regno Unito, capace di sfuggire alle tradizioni di un modo di intendere l’arte superato. Un cinema vicino alla gente, capace di raccontare il reale senza filtri e di raccontarlo da una prospettiva di critica politica e sociale molto forte. Kes è un manifesto fortissimo di questo nuovo modo di raccontare la realtà: la storia è quella di un ragazzino povero ed emarginato, inserito in contesti sociali che dovrebbero aiutarlo ma che non fanno altro se non spingerlo sempre più a fondo. Una famiglia allo sbando, una scuola che punisce invece che educare, lo sport che diventa fonte di umiliazione e degrado, una società che lo giudica e lo affossa piuttosto che alimentarne le speranze. Il giovane Billy troverà nell’addestramento di un falco l’unica vera ragione di vita, nonché una chiave fondamentale per crescere, maturare, interessarsi a qualcosa e avere stimoli, l’unica chance per garantirsi un sogno di futuro. Kes è un film con una poetica fortissima, una fotografia che permette di scavare dentro i personaggi e i luoghi che abitano e uno sguardo della macchina da presa mai troppo vicino ma nemmeno lontano, che permette di immedesimarsi emotivamente con i personaggi ma anche di guardare al quadro generale con forte spirito critico. Un grande film, duro ma toccante, capace di alternare cinismo e dolcezza: veloce, forte e spietato come un falco, ma anche libero, potente, maestoso e bellissimo.
November 8, 2025 at 8:13 AM
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Senza troppi fronzoli, uno dei film più belli visti quest'anno. E Mike Flanagan si conferma un bravissimo "adattatore" di storie altrui, anche di quelle di Stephen King.

#Cinema #CineSky #RecensioniFuoriTempo
the life of chuck mike flanagan (2024) Prendendolo dal “verso giusto” The Life of Chuck sarebbe una storia come tante: il racconto della vita di un bambino, poi ragazzo, poi uomo come tanti, preso a bastonate dalla vita ma con grande voglia di reagire e di vivere quella vita fino in fondo, godendosi tutte le cose belle che ha da offrire. Un messaggio certamente nobile ma già visto in mille altre forme: il pregio del film di Mike Flanagan (e del racconto di Stephen King da cui è tratto) è l’originalità con cui questo strano esperimento narrativo viene portato avanti. C’è prima di tutto una narrazione che procede a ritroso, che parte dalla fine per tornare all’inizio e che presenta in modo molto intelligente il protagonista, con un “racconto indiretto” di rara bellezza che vale il film e ne racchiude il significato; impariamo così a conoscere il protagonista Chuck e la sua vita ancora prima che ci venga davvero mostrata e la cosa bella è che questa vita non ci viene raccontata in ogni dettaglio ma solo in alcuni specifici momenti, tutti legati alla danza, alla matematica e a una vecchia soffitta, tutti dettagli apparentemente insignificanti ma che danno vita a un quadro dove tutto ha un peso e ogni cosa è importante. Flanagan accompagna tutto questo mettendosi in disparte, lasciando che siano i movimenti e la bellezza a guidare la storia ma non dimenticandosi mai un gusto vagamente horror, capace di emergere nell’inquietudine di alcuni specifici momenti e nei misteri che avvolgono la storia sin dal principio. The Life of Chuck è un film che gioca con lo spettatore, fa finta di portarlo altrove ma non fa altro che mostrargli quanto è complicata ma anche quanto è bella la vita: un percorso che si svolge fuori e dentro di noi, che è carico di mistero, magia e tristezza, ma che va comunque vissuto fino in fondo anche se sappiamo già come andrà a finire.
November 7, 2025 at 7:48 AM
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Mercoledì esce anche la recensione della stagione due di Mercoledì che, per inciso, non mi è dispiaciuta.

#SerieTV #Streaming #RecensioniFuoriTempo
mercoledì stagione 2 (2025) Dimenticatevi la coerenza interna di una trama che mescola mille e più storie senza preoccuparsi troppo di incongruenze e buchi di trama: a contare in Mercoledì sono soprattutto le atmosfere e i personaggi. E sono proprio questa cornice estetica, il mood dark e quel mix tra horror e commedia a rendere questa una serie godibile, nonostante tutti i suoi difetti. Otto puntate, divide in due tronconi interconnessi ma tutto sommato distinti, che hanno l’ambizione di raccontare una storia corale, complessa, dove ogni sotto-trama cerca di essere “importante” ai fini della storia principale. Un nuovo preside piuttosto infido arriva a scuola, Mercoledì si ritrova ad affrontare nuovi pericoli e una profezia non proprio rassicurante, mentre il passato ritorna prepotente: questa seconda stagione ha il merito di ampliare notevolmente il discorso, di non concentrarsi solo sull’affascinante protagonista, ma di lasciare il giusto spazio anche a tutti gli altri, adulti compresi, che nella prima stagione non avevano trovato molto spazio. A giovarne è una trama che, al netto dei già citati problemi, riesce ad avere maggiore respiro e ad essere più varia rispetto al passato, lasciando spazio a personaggi e atmosfere che funzionano davvero bene. La mano di Tim Burton, regista di quattro degli otto episodi, sembra ben più presente, con uno stile capace di accompagnare e valorizzare alcuni dei momenti più importanti: e di scene iconiche e battute da ricordare questa stagione è piena, consapevole di ciò che l’ha resa celebre e che piace al pubblico dei più giovani cui si rivolge. Prendete Mercoledì per quello che è: un teen-drama a tinte dark senza troppe pretese, se non quella di intrattenere e divertire. A volte va anche bene così.
November 5, 2025 at 7:50 AM
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Paco Roca in un libro che racconta una parte molto importante della storia del fumetto indipendente spagnolo in un momento storico in cui essere indipendenti era praticamente impossibile.

#Fumetti #BookSky #RecensioniFuoriTempo
L’inverno del disegnatore paco roca Tunué (2025) Uno spaccato sulla storia del fumetto spagnolo, disegnato da uno dei suoi maestri moderni, Paco Roca. L’inverno del disegnatore ci porta indietro alla fine degli anni ’50, in un periodo falcidiato dalla dittatura dove un gruppo di fumettisti decide di intraprendere la strada dell’indipendenza nel tentativo di fuggire dalle logiche del mercato e di un potente editore. Quella che ci viene raccontata è la storia di un fallimento, ma anche di un atto di coraggio importante in un periodo dove nessuno aveva davvero il coraggio di provare a cambiare le cose: Tunué ripropone la storia originale del 2010 in un’edizione ricca di appendici e approfondimenti, a testimonianza del grande lavoro di ricerca delle fonti e di attendibilità alla verità dei fatti. Il lavoro di documentazione è incredibile e traspare da ogni dettaglio, sia nella ricostruzione storica della Barcellona dell’epoca, sia nella realizzazione dei volti dei protagonisti e dei loro fumetti. Lo stile è chiaro, i contorni sono vivi e i colori variano di tonalità a seconda della stagione raccontata: la storia va avanti e indietro nel tempo a seconda delle esigenze, riuscendo a costruire collegamenti interessanti e a non far pesare mai il cambio di punto di vista. La linea temporale è ben chiara e Roca riesce a viaggiare tra gli anni e le stagioni e a mantenere tutto sempre coeso e coerente. Un gran lavoro per una grande storia, di quelle apparentemente piccole o insignificanti, ma capaci di cambiare per sempre le cose.
November 4, 2025 at 8:29 AM
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So it begins…

#Natale
November 3, 2025 at 10:19 PM
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E siamo arrivati alla fine di questo viaggio nell'horror, anzi, della sua prima parte. Appuntamento al 2026 per il proseguo: per ora godiamoci questo 31 ottobre in compagnia di un eroe molto improbabile.

#Cinema #CineSky #Halloween #RecensioniFuoriTempo
horror cult the toxic avenger Lloyd Kaufman e Michael Herz (1984) Il manifesto della Troma e di un modo di fare film unico nel suo genere, costruito intorno a un cinema libero da limiti e barriere, scorretto, scanzonato, violento, splatter, fato con pochi mezzi ma senza guardare in faccia a nessuno. Quello pensato da Kaufman e Herz è il racconto di un sfigato in una società corrotta di bulli e criminali, trasformato in un mostro e pronto a vendicare i più deboli in una crociata a suon di botte e uccisioni contro il male. Il problema è che nel fittizio quartiere di New York pensato per The Toxic Avenger, tutto è male, tutto è corrotto, tutto ha una macchia. The Toxic Avenger usa il linguaggio scurrile, la nudità, il sesso e il sangue per raccontare di una società che è tutte queste cose e anche di più, che non può essere salvata e per questo va combattuta, con ogni mezzo necessario. E i mezzi che il “vendicatore tossico” utilizza sono tra i meno ortodossi che si siano mai visti in un supereroe (o presunto tale): è li che si innesta l’unicità del film e di tutte le produzioni Troma che da questo hanno tratto ispirazione. La violenza, seppur efferata e terribile, è accompagnata da colonne sonore scanzonate, esaltata da un montaggio ben poco attento ai formalismi, simile a un videoclip, e contornata da una comicità demenziale e fuori dalle righe. Poco importa quindi se la recitazione è pessima, la regia approssimativa e la trama non esiste: The Toxic Avenger riuscirà comunque a farvi divertire, che nel cinema di Troma è forse l’unica cosa che conta davvero.
October 31, 2025 at 8:04 AM
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Poltergeist è uno di quei film perfettamente inserito negli anni '80: ottimi effetti speciali, storia semplice ma efficace. Un horror "per tutti", diretto e scritto come si deve. Il modo più giusto per avvicinarsi ad #Halloween.

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horror cult poltergeist Tobe Hooper (1982) Hanno sempre avuto un non so che di rassicurante i film ambientati e girati negli anni ’80. Atmosfere impagabili, toni familiari, viali alberati, quartieri residenziali e ragazzini in bicicletta che si divertono con poco. Poltergeist punta tutto su quel tipo di atmosfera, sulla famiglia americana felice, nel quartiere perfetto e con una vita perfetta: ma Steven Spielberg, che questo film lo ha pensato e scritto, è sempre stato molto bravo a prendere quel tipo di tono e deformarlo a seconda della storia che doveva raccontare. E qui da in mano quella storia a Tobe Hooper, quello di Non Aprite Quella Porta, uno che sapeva molto bene come piegare al suo volere lo stile di vita americano, come trasformarlo in un terribile e inatteso incubo ad occhi aperti. Il film diventa molto presto un parco giochi divertente e appassionante, una casa dell’orrore che da Disneyland finisce sul grande schermo e regala momenti e inventive di altissimo impatto, frutto di effetti speciali davvero ben riusciti e altamente spettacolari. Nella storia di questa famiglia sconvolta dalle strane presenze che si aggirano nella loro casa si palesano tutta una serie di peculiarità di un certo filone horror che oggi diamo per scontate, ma che sono tali solo per merito del lavoro di Hooper e Spielberg. Perché Poltergeist è capace di regalare momenti davvero indimenticabili, spettacolo e adrenalina a profusione, soprattutto nei suoi ultimi incredibili 15 minuti, da antologia dell’horror cinematografico.
October 30, 2025 at 8:14 AM
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Possession trasforma la rottura di un amore in un incubo orrorifico terribile e spaventoso. Indimenticabile l'interpretazione di Isabelle Adjani e la terribile e famosissima "scena madre" che la vede protagonista.

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horror cult possession Andrzej zulawski (1981) Un delirio di follia, capace di utilizzare il seme dell’orrore per raccontarci tutt’altro. Possession è la storia di una coppia invischiata in una crisi irreversibile fatta di non detti, tradimenti e violenza. I due sprofonderanno in un pozzo nero e profondo, perderanno la loro vera identità, diventeranno i fantasmi di loro stessi. Il tema del doppio è fondamentale per provare a comprendere l’opera di Żuławski e il suo tentativo di rendere tangibili le tragedie interiori che coinvolgono uomini e donne quando i rapporti di coppia finiscono. Il tutto nell’asettico e asfissiante contesto di una Berlino grigia e crepuscolare, sull’orlo di una nuova guerra pronta a travolgere tutto e tutti, divisa in due da un muro sempre presente e che non lascia penetrare nemmeno un raggio di sole. La camera si muove in continuazione, gira intono agli ambienti, si agita, assume prospettive particolari, aumentando a dismisura l’ansia e seguendo la discesa nella follia dei due personaggi con asettica precisione. Possession è un film di scene forti e interpretazioni enfatiche, un horror d’autore entrato nell’immaginario collettivo per alcuni momenti ancora oggi molto potenti (i litigi, la violenza, l’iconica scena in metro, la creatura) e per l’incredibile prova attoriale di Isabelle Adjani, impegnata a dar forma a un personaggio davvero duro e difficile.
October 29, 2025 at 8:02 AM
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Oggi non parliamo di uno ma di ben tre film, tutti per la regia di Lucio Fulci. La cosiddetta Trilogia della Morte è un concentrato per stomaci forti, con immagini potenti e tanta creatività. Piccole perle da riscoprire.

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horror cult trilogia della morte lucio fulci (1980-1981) Non chiedete mai a Lucio Fulci di spostare la camera quando vi sta mostrando una scena violenta. Il re del gore e dello splatter non distoglierà mai lo sguardo, pronto a mostrarvi sempre tutto, fino in fondo, che si tratti di un omicidio efferato, di un cranio spappolato a mani nude, di ragni che divorano un corpo inerme, di organi che fuoriescono copiosi dalla bocca, di visi disciolti dall’acido. La famosa trilogia della morte rappresenta forse l’apice della sua intransigente visione dell’horror, fortemente osteggiata dai critici italiani ma capace di influenzare ancora oggi registi da tutto il mondo: perché è innegabile che Fulci fosse un mestierante capace, abile, tra i più innovativi e originali della sua epoca. I suoi horror sono girati magnificamente, con uno stile unico e peculiare, coadiuvati da un’estetica realistica e credibile e da un’artigianalità che li rende ancora oggi credibili e scioccanti, capaci di lasciare il segno. A mancare in questi tre film (Paura nella città dei morti viventi, …e tu vivrai nel terrore! - L’aldilà e Quella villa accanto al cimitero), accomunati dalla protagonista femminile, Catriona MacColl, è una trama degna di questo nome, capace di portare avanti con efficacia la narrazione: gli incipit catturano, i finali colpiscono, le immagini non lasciano mai indifferenti, ma a latitare sono purtroppo le storie, spesso buttate li, spesso banali, quasi sempre inesistenti e trascurabili.
October 28, 2025 at 8:28 AM
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Un cult italiano ormai diventato un classico dell'horror. Cannibal Holocaust è un film di immagini forti e respingenti ma ha anche qualcosa da dire.

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horror cult cannibal holocaust ruggero deodato (1980) Il film più discusso e censurato di sempre, odiato e osteggiato all’epoca della sua uscita ed elevato a cult intramontabile negli anni successivi. Cannibal Holocaust ha ritrovato in anni recenti quella fortuna che non aveva avuto negli anni ’80: oggi forse non riusciamo più a farci troppo caso, assuefatti come siamo dalla violenza, ma il film di Ruggero Deodato è un corollario di immagini e sequenze ad altissimo impatto, di quelle che lasciano il segno. Ancora oggi si fa fatica a non distogliere lo sguardo davanti agli animali seviziati e mutilati a puro scopo filmico e anche quando la violenza non è reale ha con se un carico talmente forte di drammaticità e credibilità da diventare quasi sempre altamente stordente e disturbante. Il film naviga a vista, rischiando sempre di propinarci una violenza gratuita e fine a se stessa. Ma sull’orlo di questo precipizio riesce comunque a far passare il suo messaggio, a mostrarci la sua critica feroce a una società sempre più mediatizzata, in mano a grandi gruppi editoriali e network disposti a tutto pur di guadagnare e catturare le attenzioni del pubblico. Deodato ci racconta tutto questo dividendo il film in due parti, strutturandolo come un documentario e usando un espediente narrativo che farà scuola: camera a mano, pellicola sgranata, riprese mosse e imperfette e un realismo esasperato rendono molto labile il confine tra realtà e fantasia, quello che fa funzionare Cannibal Holocaust e lo rende, ancora oggi, capace di colpire e lasciare interdetti e allibiti.
October 27, 2025 at 7:52 AM