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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 10h

David Cronenberg ha scritto pagine fondamentali del body horror e Shivers e uno dei suoi film più iconici e inquietanti: un crescendo di tensione (e ribrezzo) davvero potente.

#Cinema #CineSky #Halloween #Horror #RecensioniFuoriTempo

horror cult
il demone
sotto la
pelle
David
Cronenberg
(1975)

Sin dall’inizio della sua incredibile carriera Cronenberg si era posto l’ambizioso obiettivo di raccontare la condizione umana e le sue incontrollabili deviazioni, provando a rendere tangibile e visibile un orrore che nella realtà si muove sotto traccia. Per esplicitare al meglio i suoi obiettivi serviva che sotto la pelle dell’uomo comune si muovesse davvero qualcosa: la folle pulsione sessuale, incontrollabile e della quale nessuno riesce a fare a meno, diventa così un parassita rivoltante e strisciante, simile ad un’enorme e vorace sanguisuga con una vaga forma fallica.

Un esperimento porta quest’essere a moltiplicarsi, passare di corpo in corpo e diffondersi tramite il sesso e il contatto fisico. Cronenberg, come un novello Romero, trasforma gli uomini in “zombie” folli e impulsivi, dando vita a delle vere e proprie scene apocalittiche, orge di inquietante piacere dove anche l’ultimo barlume di umanità viene soffocato.

Il finale è ben poco consolatorio e per Shiver - questo il titolo originale - e il suo autore non solo non c’è salvezza, ma siamo tutti infettati da un parassita che si agita dentro di noi, che non vediamo ma sentiamo. Siamo causa di un male dal quale, ormai, non possiamo più scappare.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 1d

Quella che ci attende sarà una settimana di grandi maestri dell'horror. Iniziamo da Wes Craven e dal suo esordio cinematografico, una follia con rivolti di analisi sociale sorprendenti.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

horror cult
l’ultima
casa a
sinistra
wes craven
(1972)

Wes Craven ci ha sempre voluto dire molto con i suoi film: lo ha fatto sfruttando l’ironia, la risata, il macabro e il politicamente scorretto, dando al suo horror un punto di vista trasversale e sempre unico nel suo genere. Negli anni ’70 era ormai chiaro quanto il cinema horror, col suo essere così privo di filtri o sovrastrutture, era uno dei generi più adatti per raccontare la società e i suoi problemi.

L’Ultima casa a sinistra prende di petto la violenza e ce la sbatte in faccia: Craven sa che la detestiamo ma ne siamo in qualche modo assuefatti, che facciamo finta di odiarla ma ne siamo profondamente attirati; e sa anche che, se potessimo, ci macchieremmo delle peggiori nefandezze se ce ne venisse data l’occasione. Così il film getta una tanica di benzina e un cerino acceso sulla perfetta famiglia media americana: la figlia adolescente di una coppia benestante viene brutalmente violentata, sbeffeggiata e uccisa insieme a una sua amica da un gruppo di squilibrati; saranno proprio mamma e papà, una volta scoperta la verità, a vendicarsi nel peggior modo possibile.

Il film è disturbante nella sua forzata leggerezza, nel suo alternare una violenza fisica e psicologica sempre più forte con la normalità di plastica di tutto il resto. Sangue e follia si mischiano in maniera indissolubile, con conseguenze letali dalle quali, sin dall’inizio, era impossibile sfuggire. Perché la violenza fa parte di noi, anche se facciamo finta di nulla.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 2d

Blood Feast non è un gran film ma ha un'enorme importanza per l'horror, visto il modo con cui inserisce il gore e lo splatter per la prima volta nell'horror. Niente da qui in poi è più stato lo stesso.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

horror cult
blood
feast
Herschell Gordon Lewis
(1963)

Il primo film splatter della storia è un concentrato di pessima recitazione, budget bassissimo e una trama assurda e senza alcun mordente, messa li solo per giustificare le gesta di un folle e macabro assassino e le indagini di una polizia ridotta a due improbabili detective. Ma a Blood Feast, datato 1963, va riconosciuto un coraggio assoluto nell’essere stato capace, per la prima volta, di mostrare senza troppe remore sangue e violenza. In anni in cui tutto veniva lasciato all’immaginazione dello spettatore, Herschell Gordon Lewis decide di non filtrare nulla: rispetto al cinema moderno l’azione viene solo fatta intuire, ma le sue conseguenze ci vengono messe sotto il naso.

Per la prima volta non sono la camera o il regista a distogliere lo sguardo per noi ma siamo noi a dover prendere le distanze da ciò che vediamo, a dover chiudere gli occhi o voltare lo sguardo. Fu una svolta profonda e importantissima per l’horror di quegli anni, coadiuvata da una credibilità assoluta dal punto di vista estetico, sia nella realizzazione di un sangue che scorre copioso e abbondante, sia nel modo in cui vengono mostrati arti smembrati, organi vari e macabri cadaveri mutilati.

L’artigianalità diventa parte integrante del processo e si trasforma nella cosa più importante di tutte, più del film stesso e della sua dignità. Per abbinare a tutto questo storie di maggior peso, attori più bravi e una maggiore cura dal punto di vista registico e tecnico ci sarà tempo, ma da Blood Feast niente è più stato lo stesso.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 2d

Nuovo appuntamento settimanale su Substack.

#6 Di NBA, South Park e Paddington

Cosa ho guardato, cosa vi consiglio e cosa sta succedendo. Il meglio (e il peggio) della mia settimana.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 3d

Non potevamo non citare un film del maestro in questa lista: Gli Uccelli ha una costruzione della tensione magistrale e un uso degli effetti speciali di alto profilo. Non guarderete più chi vola intorno a voi allo stesso modo.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

horror cult
gli uccelli
Alfred Hitchcock
(1963)

Pensate a una cosa nel mondo degli horror e dei thriller ed è probabile che Alfred Hitchcock sia stato il primo a realizzarla sul grande schermo e a codificarla in maniera perfetta per le generazioni future. Gli Uccelli non è solo un film capace di costruire la tensione in modo magistrale ma è anche uno dei più fulgidi esempi di horror catastrofico: lo era negli anni ’60 e lo è ancora oggi, nonostante i tanti anni passati e i tanti film di genere usciti nel corso degli anni. Una pellicola di gran classe, che inizia raccontando dello strano rapporto d’amore tra i due protagonisti, della strana e bislacca cittadina marittima in cui vive lui e della disfunzionale famiglia (e comunità di amici e conoscenti) che lo circonda e con cui lei, da sempre vissuta in città, dovrà fare i conti.

Tutto sembra normale, in una sorta di ritratto della società americana dell’epoca, talmente standard da divenire quasi disturbante: questa particolare dissonanza è direttamente proporzionale con la presenza sempre più inquietante degli uccelli: sempre più numerosi, sempre più minacciosi, sempre più aggressivi. Hitchcock costruisce il suo film a folate sempre più lunghe, sempre più persistenti, sempre più folli.

Ogni inquadratura, ogni scelta di montaggio è una gioia per gli occhi, coadiuvata da un uso degli effetti speciali che ancora oggi ha dell’incredibile e che ha fatto scuola. Inutile star li a chiedersi quale sia il vero significato del film, se vi siano reali collegamenti con la psicanalisi o intenti di denuncia verso l’umanità e il suo labile controllo su una natura e un pianeta che non è mai stato nostra proprietà. Vedeteci quello che volete, ma questo è soprattutto un capolavoro.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 4d

Che fine ha fatto Baby Jane è un horror di grande impatto, ricco di colpi di scena e con due attrici protagoniste indimenticabili. Chi è buono e chi è cattivo davvero? La risposta è meno scontata di quanto crediamo.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

horror cult
che fine ha
fatto baby
jane?
Robert Aldrich
(1962)

Bette Davis mattatrice assoluta in un film che riflette molto bene le dinamiche problematiche all’interno del mondo dello spettacolo. Robert Aldrich cerca un interessante punto d’incontro fra Viale del Tramonto ed Eva contro Eva, raccontandoci di due sorelle e del loro rapporto disfunzionale. Saranno le cose che non si diranno, le gelosie e i fraintendimenti a decidere il loro dramma esistenziale: il successo, che a turno ha cambiato la vita ad entrambe, le ha abbandonate, portandole a vivere in una condizione terribile; una, travolta dalla gelosia, è ormai impazzita e preda di raptus di rabbia folle; l’altra nasconde un terribile segreto ed è costretta su una sedia a rotelle.

Il film ha un alto grado di momenti inquietanti, bravo a creare immagini ad altissimo impatto, che sia un topo morto al posto della cena, uno sguardo spiritato o un impeto inatteso di violenza. Tutto è funzionale a descriverci questo strano rapporto e le sue conseguenze: anche quando la normalità proverà a bussare alla porta delle due sorelle verrà costantemente respinta, andandosi a scontrare con una follia latente che si farà sempre più forte con il passare dei minuti.

L’esito drammatico ma beffardo sarà svelato con un magistrale colpo di scena che ci spiega chiaramente quanto colpe e responsabilità siano sempre da dividere a metà e non causa di una sola persona.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 5d

Mario Bava è stato un maestro dell'horror e La Maschera del Demonio è un film ancora oggi incredibile, con una cura nelle atmosfere, nei costumi, nel trucco e negli effetti speciali di altissimo livello.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

Horror cult
la maschera
del demonio
mario bava
(1960)

Nel corso degli anni il nostro gusto verso l’horror è profondamente cambiato ed è normale che quello che spaventava il pubblico sessant’anni fa può risultare abbastanza innocuo agli occhi dello spettatore moderno. Eppure La Maschera del Demonio continua ancora oggi ad avere un fascino indiscutibile, carico com’è di un’atmosfera impagabile, che unisce sotto lo stesso tetto stregoneria, vampiri e presenze diaboliche, esaltate da un bianco e nero fatto di luci taglienti, architetture gotiche ed effetti speciali ancora oggi di altissimo impatto scenico e visivo.

Porte che si chiudono da sole, esplosioni e fiamme, unite a un’attenzione maniacale per il trucco degli attori, conferiscono al tutto un alone di artigianalità che, incredibilmente, non da mai l’idea di essere “vecchio”. Tutto è credibile, coerente, mai esagerato e mai fuori luogo, esaltato da una regia che sa come muoversi, che cambia velocità a seconda delle esigenze e della tensione che vuole scatenare, che sa dove mettersi e su quali dettagli indugiare.

La trama, con un incipit grandioso e uno svolgimento abbastanza semplice, mette al centro della scena una bellissima e iconica Barbara Steele, lontana parente di una terribile strega/vampiro, riportata accidentalmente in vita e pronta a tutto pur di vendicarsi. Storie che oggi ci sembrano banali e stereotipate ma che negli anni ’60, in Italia, nessuno aveva mai fatto con questa cura e questa padronanza totale del mezzo cinematografico in ogni suo aspetto: regia, trucco, scenografie, costumi, fotografia, sonoro. Perché l’horror è prima di tutto una questione di sensazioni.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 6d

Gritos è uscito due anni dopo e per il protagonista pare che Franco si sia ispirato proprio al medico di Occhi senza volto..😉

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 6d

Occhi senza volto, arrivato nel 1960, iniziò a mostrare al mondo un horror nuovo, d'autore, dove la paura poteva passare attraverso tante modalità. Oggi potrà apparire superato, ma ha momenti davvero potenti.

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horror cult
occhi
senza volto
Georges Franju
(1960)

L’horror diventa profondamente reale in questa pellicola di uno dei primi maestri dell’horror francese. Georges Franju ci regala una storia di mistero, dai toni sommessi, dove il buio della notte viene rotto dai fari di qualche macchina, dove a parlare sono spesso le immagini e dove la trama si svela piano piano, tramite una serie di indizi che daranno vita a una storia oscura e raccapricciante. Il protagonista è un chirurgo, dedito a esperimenti di chirurgia estetica sempre più folli e improbabili sul volto di sua figlia, sfigurata dopo un terribile incidente da lui stesso causato.

Il film, anticipando di 20 anni alcuni degli stilemi del body horror, parla di bellezza estetica, decadimento fisico e malformazioni, di una sorta di ricerca della giovinezza e del volto perfetto a tutti i costi, in un’ossessione che porterà, come da tradizione, ad esiti violenti e nefasti. Il film fece scandalo e non fu ben accolto dai critici dell’epoca, che non ne apprezzarono la crudeltà e la tematica di fondo.

Visto con occhi moderni si tratta di un prodotto che mostra ben poco rispetto a quanto siamo oggi abituati a vedere ma che, con poche scene, è capace di impressionare e regalare momenti di pura inquietudine, che saranno stati certamente molto più forti per il sentire degli spettatori dell’epoca. Ma scene come la rivelazione del vero volto della giovane sfigurata o la sequenza di foto che ne mostra il decadimento estetico restano ancora oggi momenti di grandissima forza e impatto.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 7d

Dopo Frankenstein e Dracula non poteva non arrivare il turno anche de La Mummia. Qui la differenza rispetto al corrispettivo Universal è marcata ma il film ha comunque un suo perché, nonostante tutto.

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horror cult
la mummia
Terence Fisher
(1959)

Cushing, Lee e Fisher, ancora loro per la riproposizione (ma non chiamateli remake in senso stretto) dei grandi mostri Universal degli anni 30’. Nel 1959, dopo Frankenstein e Dracula, era arrivato il momento de La Mummia, il non morto dell’Antico Egitto con il cuore spezzato e una sete di sangue implacabile. Del mondo horror della Hammer si tratta probabilmente di uno dei film meno riusciti: la trama è piuttosto risicata, tutta fondata su un uso continuo di flashback e una ricostruzione storica che, nell’estetica e nella scenografie, lascia molto a desiderare, palesando il budget risicato che ha sempre caratterizzato questi film e che qui traccia un solco davvero prepotente con le produzioni hollywoodiane di quasi trent’anni prima.

Molto più riusciti i momenti “moderni” ambientati in Inghilterra, capaci di palesare ciò che la casa di produzione inglese riusciva a fare meglio: film horror capaci di unire la violenza con l’azione, il mistero e il giallo. La breve durata rende questa Mummia un prodotto tutto sommato godibile, con elementi comuni che diverranno parte integrante dell’immaginario cinematografico.

Nel suo essere un mix tra le varie “mummie” degli anni precedenti, quella di Karloff ma, soprattutto, quella degli anni 40’, la Hammer diede vita, con tanto cuore e pochi soldi, ad un altro dei suoi storici successi cinematografici.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 8d

Continuiamo la nostra breve carrellata sul mondo Hammer con il mitico Dracula di Terence Fisher. Non prendetelo alla leggera, ha influenzato il nostro modo di vedere i vampiri e il loro simbolo molto più di quanto pensiamo.

#Cinema #CineSky #Halloween #Horror #RecensioniFuoriTempo

horror cult
dracula il
vampiro
Terence Fisher
(1958)

Ancora il trio delle meraviglie della Hammer per una rilettura piuttosto fantasiosa del mito di Dracula. Seppur con un’estetica che mette in luce il budget ridotto e un’uso del colore e della luce che tradisce le atmosfere oscure che un film di vampiri dovrebbe avere, questo film del 1958 appare molto più centrato rispetto al precedente dedicato a Frankenstein. Merito di un Christopher Lee particolarmente a suo agio nel ruolo del Conte e di un Peter Cushing praticamente perfetto come Van Helsing.

La storia è un’avventura dove bene e male sono ben distinti, una caccia all’uomo dove le reali intenzioni di Dracula sono sin da subito chiare e “i buoni” cercano di fare il possibile per sconfiggerlo e ucciderlo. Gli stilemi del vampiro sono tutti ben presenti e, paradossalmente, aver reso fin da subito chiara la minaccia, carica il tutto di una fortissima e persistente tensione. Manca l’eleganza e la classe aristocratica del Dracula di Lugosi: qui il pericolo è concreto, violento, senza freni, viene sbattuto in faccia allo spettatore con violenza e chiarezza d’intenti.

A venir fuori, di riflesso, è un erotismo molto forte, che non mostra mai nulla di scabroso ma che indugia tanto sul fascino carnale del conte e sulla bellezza lasciva delle sue vittime femminili. Un modo diverso di vedere il mito del vampiro, meno affascinante forse, ma certamente più moderno, carnale e umano, in quello stile molto attento al sentire del grande pubblico che farà la fortuna della Hammer per tutti gli anni a seguire.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 9d

Dopo i mostri della Universal è giunto il momento di parlare di quelli della Hammer: meno magia, molto più sangue e concretezza, busso budget ma tanto cuore. Iniziamo da Frankenstein.

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horror cult
la maschera
di frankenstein
Terence Fisher
(1957)

Dopo la Universal è stata sicuramente la Hammer la casa di produzione più importante nella produzione di film horror. Anzi, il suo lavoro servì in un certo senso a rilanciare il genere dopo anni in cui era diventato sempre meno importante e sempre più associato al concetto di “produzione minore”. Alla fine dei conti Hammer non fa niente per nascondere i bassi budget dei suoi film o per riciclare idee già viste sullo schermo tanti anni prima, eppure le sue riproposizioni di alcuni dei mostri più celebri del cinema degli anni ‘30 sono state baciate da un successo di pubblico incredibile e inatteso.

La Maschera di Frankenstein riprende il romanzo di Shelley e il film di Whale ma lo adatta al gusto del pubblico dell’epoca. Nel film si possono notare tutti gli elementi che poi diverranno distintivi nella lunga serie di pellicole successive: l’horror si fa più estetico, più macabro, più violento, non si fa problemi a mostrare il rosso accesso del sangue e a dare vita a una macchina da presa che guarda in faccia la violenza, senza voltarsi dall’altra parte, senza farla intuire allo spettatore; le reinterpretazioni delle storie originali sono libere e piuttosto fantasiose, messe al servizio di trame dinamiche e “avventurose”.

Qui a interpretare la creatura, con un trucco discutibile, è Christopher Lee, ma è il Frankenstein malvagio e senza scrupoli di Peter Cushing a rubare la scena. I due, insieme al regista Terence Fisher, saranno i volti immancabili di tutte le principali produzioni della Hammer, in un rinnovamento totale di quella “formula seriale” che aveva fatto la fortuna della Universal quasi trent’anni prima.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 10d

Nuova settimana, nuovi aggiornamenti (e ragionamenti)

#5 Di FOMO e Fiammiferi, Ranma e memoria

Cosa ho guardato, cosa vi consiglio e cosa ho letto. Il meglio (e il peggio) della mia settimana.

open.substack.com

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 10d

Ah ok 😂😂 si fare la parata perfetta penso sia tra le cose che meno mi riescono in un gioco 😂😂

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 10d

I Vampiri, anche se non parla di vampiri è considerato a tutti gli effetti il primo vero horror italiano: si tratta di un giallo a tinte sovrannaturali con alcuni tocchi estetici di pura classe.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

horror cult
i vampiri
riccardo freda
(1957)

Con un salto temporale piuttosto marcato ci spostiamo molto avanti negli anni, ad una nuova epoca per il cinema, ma riusciamo finalmente a tornare in Europa, questa volta in Italia. I Vampiri, a detta di molti, rappresenta il primo horror italiano nella storia. Alla regia Riccardo Freda, alla fotografia Mario Bava, fautore dell’atmosfera spettrale del film e di alcune trovate estetiche di grande impatto visivo. La storia, a discapito del titolo, si sviluppa come un giallo investigativo in cui un giornalista cerca di far luce sulla morte di alcune giovani ragazze.

Il mistero si svelerà in modo piuttosto inaspettato, in un ibrido improbabile ma ben riuscito tra gotico e fantascienza. Il film è molto ingenuo e svela fin troppo facilmente i suoi trucchi, spargendo indizi sin troppo facili da cogliere e svelando troppo presto la sua “vera storia”. Più della Parigi “di cartone” in cui si svolgono gli eventi, a colpire sono le scenografie dell’inquietante maniero in cui è ambientata tutta la seconda parte del film: le architetture retrò, sapientemente amalgamate con futuristici strumenti scientifici, danno al tutto un sapore a suo modo unico e peculiare.

A restare ben impressa nella memoria resta comunque l’incredibile trasformazione “in tempo reale” di Giselle, un colpo di genio frutto di una geniale commistione tra uso delle luci e trucco ideata da Bava. I Vampiri, che all’epoca fu un insuccesso clamoroso, resta oggi, nonostante alcune ingenuità e un finale inutilmente didascalico e conciliatorio, un gradevole prodotto della fin troppo sottovalutata scuola horror italiana.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 10d

perché con il termine parry si parla di "parata perfetta", cioè fermi il colpo dell'avversario al momento più giusto, innescando di solito un effetto più positivo rispetto alla parata semplice.. si, solo una complicazione in più..😂

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 11d

Lasciamo la Universal per passare a un nuovo tipo di horror, più giocato sul non visto, sulle sensazioni e sull'atmosfera. E di atmosfera e "trucchetti" per spaventare Il Bacio della Pantera ne ha tanti.

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orror cult
il bacio
della pantera
Jacques Tourneur
(1942)

Nel buio della solitaria notte di una città una donna viene inseguita da una presenza tanto inquietante quanto silenziosa. Passi misteriosi riecheggiano dietro di lei, la tensione sale, la donna è sempre più spaventata. Un sibilo riecheggia da lontano, si fa sempre più forte, l’attacco è imminente, l’orrore pronto a esplodere: invece era soltanto un autobus che stava per arrivare alla fermata.

Con un trucco di scena tanto semplice quanto geniale (il “Lewton Bus”, dal nome del produttore del film) Il Bacio della Pantera diede vita ad uno degli stilemi più tipici dell’horror, quello di momenti dove la tensione, costruita a regola d’arte, finisce per risolversi con un nulla di fatto, ingannando lo spettatore e le sue emozioni. Ma questo film di Jacques Tourneur è anche un perfetto esempio di come non servano grandi budget per realizzare buoni horror.

Il film non mostra mai davvero il pericolo ma ce lo lascia intuire, lo mette sempre fuori dall’occhio dalla macchina da presa, ce lo suggerisce con grandi giochi di luci e ombre, oggetti di scena e visioni allucinate. Sappiamo cosa sta succedendo ma non lo vediamo se non per qualche secondo nei minuti finali, ma questo non spegne mai quella sensazione di claustrofobica tensione che permea ogni sequenza: è il gran valore aggiunto di un film che, altrimenti, sarebbe stato solo la storia piuttosto insipida di un banale triangolo amoroso.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 12d

L'Uomo Lupo è l'ultimo mostro che abbiamo scelto in questa carrellata di film mitici della Universal. Anche questo film fa parte di una pagina storica dell'horror cinematografico, grazie alle sue atmosfere indimenticabili.

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rror cult
l’uomo
lupo
George Waggner
(1941)

Altro film capace di creare un immaginario immortale e capace di imporsi fino ai giorni nostri. Se gli uomini che si trasformano in lupi con la luna piena sono diventati un classico buona parte del merito va tutto a questa piccola perla di George Waggner. E va detto che negli anni nessuno è riuscito a replicare con la stessa efficacia la forza drammatica della storia di Larry Talbot e della terribile maledizione che lo ha colpito. Lui (seppure un po’ stalker) è dipinto come un eroe buono, quasi ingenuo e la sua parabola drammatica colpisce proprio perché si comprende, sin da subito, che abbiamo davanti un uomo il cui destino è segnato.

La costruzione è magistrale, mette gli elementi in gioco e poi va dritta al sodo, come da tradizione per la Universal di quegli anni. Il dramma viene spinto sino alle sue estreme conseguenze, valorizzato da personaggi misteriosi e carismatici e da un’unione molto intelligente tra modernità e folklore capace di rendere tutto ancora più “sinistro” e misterioso.

Tutto viene ulteriormente valorizzato da un uso molto intelligente delle scenografie e delle location, sempre oscure, avvolte dalla nebbia e illuminate da luci fioche e lontane e dalla resa estetica del licantropo grazie alla solita maestria al trucco di Jack Pierce. Di tutti i licantropi che abbiamo visto sul grande schermo non ce n’è uno che non si sia anche solo in parte ispirato a quello di questo film.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 13d

Altro film mitico della Universal, con un uso degli effetti speciali per l'epoca incredibile e un tono e uno stile piuttosto inediti per l'epoca. Gran film.

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horror cult
l’uomo
invisibile
james whale
(1933)

Altro caposaldo dell’epopea horror della Universal, L’Uomo Invisibile è uno dei mostri più amati del cinema degli anni 30’, campione d’incassi e capace, come pochi altri film dell’epoca, di mostrare la forza espressiva di trucchi scenici ed effetti speciali. Lo stile è sempre lo stesso: conciso, asciutto, rapido e senza fronzoli, ma con una forte predilezione per la componente visiva. Al centro della scena uno scienziato pazzo sotto gli effetti del suo stesso siero dell’invisibilità, pronto a tutto pur di sfruttare la sua creazione per conquistare il mondo.

James Whale, veterano del genere, lo mette al centro della scena e l’invisibilità diventa la chiave di volta per evocare la sua presenza in ogni momento, anche quando non lo vediamo fisicamente in scena. Voci fuori campo, oggetti che si muovono da soli, orme sulla neve fresca, sono solo alcuni dei trucchi utilizzati per dar vita a un horror dinamico, molto più action dei suoi predecessori.

Il film diventa molto presto una caccia all’uomo senza quartiere, con centinaia di agenti impegnati in una cattura impossibile: il tono generale, seppur cupo, è capace di virare sui toni della commedia nera con una certa naturalezza. Un film importantissimo che ha mostrato al cinema horror una leggerezza che sino a quel momento era sembrata impossibile.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 14d

Ancora Boris Karloff per un altro film storico della Universal, anche questo riproposto in mille salse, sequel e remake nel corso degli anni. Ma la prima Mummia non si batte.

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horror cult
la mummia
Karl Freund
(1932)

L’idea era semplice, prendere Boris Karloff, la sua imponente fisicità e il suo “volto inespressivo” e metterlo al servizio di un ruolo ben più particolare o complesso in cui non avrebbe più dovuto solo mugugnare ma anche mettere in gioco le sue doti. La Mummia è stato un altro enorme successo della Universal di quegli anni, talmente forte da scoraggiare dei veri e propri seguiti diretti negli anni successivi e da portare la stessa casa produttrice a riprenderne la storia nel popolare remake del 1999.

Tutto è giocato su ambientazioni evocative e su una cultura affascinante come quella egiziana, carica di misteri e credenze tanto forti da essere la vera linfa vitale di un film che, a guardarlo bene, non è altro se non un triangolo amoroso tra una “mummia”, la sua amata reincarnata e un giovane studioso britannico. Ancora una volta sono i misteri a parlare, i lunghi dialoghi, i non visti e una paura che diventa sentimento latente, presente sotto traccia in ogni secondo del film.

Bastano poche didascalie iniziali e un antefatto efficace e conciso a farci immergere in una vicenda di morte e rinascita vista attraverso gli occhi di un uomo il cui unico peccato è stato amare troppo la donna sbagliata. Impossibile non citare il lavoro incredibile di Jack Pierce, truccatore a cui si deve il trucco di Karloff e la creazione di tutte le “maschere” che hanno reso iconici i personaggi horror di quegli anni.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 15d

Dopo Dracula è il momento di Frankenstein, altro mostro di Universal che ha fatto scuola grazie al mitico Boris Karloff.

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horror cult
frankenstein
james whale
(1931)

Abbiamo parlato di Bela Lugosi come figura iconica del “periodo mostruoso” della Universal, ma più di lui è stato forse Boris Karloff quello capace di stagliare con maggiore forza la sua figura nell’immaginario comune. Merito di un mostro che, partito dalla penna di Mary Shelley e passato per un adattamento teatrale del 1800, è arrivato sul grande schermo diventando, senza alcun dubbio, la creatura mostruosa più iconica nella storia del cinema, quella con cui tutti, prima o poi, avrebbero dovuto fare i conti se avessero voluto parlare di mostri.

Tutto, visto con gli occhi di oggi, appare classico in Frankenstein, dalla storia ai personaggi, passando per le tematiche e lo svolgimento, ma sono stati la genialità di James Whale e la forza interpretativa di Karloff a renderlo tale. Parliamo di scelte che poi sono diventate vera e propria iconografia del genere: lo scienziato pazzo e il suo gobbo aiutante, la notte buia e tempestosa in cui cose inanimate prendono vita, la folla inferocita con le fiaccole, il mulino che va a fuoco nella notte.

Quante volte abbiamo visto queste scene? Tante, ma è stato tutto merito di questo film. Frankenstein ci regala 70 minuti dinamici e ricchi di spunti, con Whale che muove la sua macchina da presa con fluidità, regalandoci carrellate e scorci davvero indimenticabili e donando al tutto un dinamismo capace di superare le “logiche statiche” dei melodrammi hollywoodiani di quegli anni. L’orrore, seppur con una certa delicatezza, iniziava a farsi più esplicito, vuoi per la possente presenza della creatura, vuoi per una bambina gettata in un fiume che all’epoca creò tante polemiche: Frankenstein cambiò davvero le cose per il cinema horror.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 16d

La Universal ha avuto un ruolo fondamentale nella diffusione del cinema horror. I suoi mostri hanno segnato l'immaginario di tutti noi. Qui un vero pezzo da 90, con il volto indimenticabile di Bela Lugosi: Dracula.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween2025 #RecensioniFuoriTempo

Ci sono interpretazioni che entrano nella storia e che fissano nel tempo un’iconografia impossibile da scardinare: Bela Lugosi è Dracula e lo sarà sempre e chiunque si sia confrontato con il personaggio negli anni ha dovuto fare i conti con la sua interpretazione, il suo look e le sue movenze. Dal 1931 i vampiri, in qualsiasi forma d’arte siano comparsi, hanno preso ispirazione dal protagonista del celebre film della Universal.

Una pellicola che deve tanto al Nosferatu di Murnau, soprattutto nell’evoluzione della storia e in alcune trovate estetiche, ma ammanta il tutto con il rigore da “fotoromanzo popolare” delle pellicole di quell’epoca. L’ambientazione è moderna, l’illuminazione predominante e lo stesso Conte Dracula non è più una rivoltante creatura ma un lord d’altri tempi, elegante nei modi e nel vestiario.

La luce spettrale che nei illumina lo sguardo, le movenze e la sua calma serafica lo rendono un personaggio inquietante e spaventoso: nonostante la violenza efferata non venga mai mostrata a schermo, il film riesce a trascinare facilmente lo spettatore nel suo vortice di tensione, grazie al carisma dei suoi protagonisti e alla forza di una storia immortale. Un orrore certamente di altri tempi, che si nutre di infiniti dialoghi, di volti, di immaginari e di non visti. Oggi tutto questo sarebbe impossibile, ma allora per spaventare lo spettatore bastava solo crederci.

Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 17d

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#4 Di Horror e orrori, Guinness e medical drama

Cosa ho guardato, a cosa sto giocando, cosa vi consiglio e tutto ciò che stiamo vivendo. Il meglio (e il peggio) della mia settimana.

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 17d

Ancora un film muto per uno degli horror più iconici della storia: Il Fantasma dell'Opera regala scene indimenticabili e un personaggio altrettanto memorabile, per una delle maschere più spaventose di sempre.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

horror cult
il fantasma
dell’opera
rupert julian
(1925)

Voliamo in America, alla corte della Universal, casa di produzione che per anni ha portato in sala alcune delle creature più iconiche dell’immaginario horror. Il Fantasma dell’Opera, nella sua versione originale muta del 1925, deve tanto all’espressionismo gotico di matrice tedesca, soprattutto nelle ambientazioni e in alcune scenografie, ma ha insita una semplicità di schemi, situazioni e interazioni tutta statunitense.

Quello di Rupert Julian resta ancora oggi un capolavoro, tra i migliori adattamenti del romanzo di Gaston Leroux: nel raccontare del terribile “fantasma” e della sua ossessione amorosa per una giovane cantante d’opera, il film da vita a una serie di sequenze evocative e inquietanti, aiutate da una fotografia in bianco e nero, ma che varia di tonalità a seconda del momento e da costumi d’epoca, scenografie spettrali illuminate da luci fioche e un’Opera di Parigi ricreata per regalare un colpo d’occhio sempre sontuoso e maestoso.

Ma se ancora oggi questo film viene ricordato come uno dei capisaldi dell’horror dei primordi il merito è quasi tutto di Lon Chaney e della sua interpretazione, così enfatica e solenne e del suo trucco, che scioccò e sconvolse gli spettatori dell’epoca. La scena in cui Christine gli toglie la maschera e il suo vero volto viene mostrato per la prima volta lascia ancora oggi a bocca aperta per lo stupore (e la paura).

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Recensioni Fuori Tempo @recensionift.bsky.social · 18d

Paul Wegener ha rappresentato una figura di grande importanza per il cinema muto tedesco, autore e attore di film importantissimi come quelli sul Golem. Questo del 1920 è l'unico che ci è arrivato integro.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo

l golem:
come venne al
mondo
Henrik Galeen,
Paul Wegener
(1920)

Ancora Paul Wegener, sempre nelle vesti di regista, sceneggiatore e attore, in un film che decide di dare vita ad uno degli stilemi più classici del cinema horror, il mostro. Per farlo decide di attingere alla cultura ebraica e alla figura del Golem, mostro d’argilla che prende vita grazie a un rituale magico e a un amuleto. Lo schema è quello classico che tra un Frankenstein e l’altro abbiamo imparato molto bene a conoscere: la creatura viene portata in vita ma si rivela pericolosa, provoca danni e violenze e viene abbattuta.

In questo film muto del 1920, però, tutto questo viene inserito nel contesto del cinema espressionista tedesco da sempre costruito sull’enfasi della recitazione, su scenografie evocative e su un alone d’inquietudine che tutto ricopre e pervade. Nel tono di una recitazione teatrale oggi naturalmente superata si possono però scorgere dei momenti davvero incredibili: il rito magico di evocazione del mostro, con tutti i suoi rudimentali “effetti speciali”, tra fulmini, fumo e una testa di demone parlante, è una sequenza ancora oggi evocativa e paurosa.

Di aspetto non certo secondario il tema dell’antisemitismo: gli ebrei di Praga vengono osteggiati, isolati e sono vittime di soprusi e violenze continue, mal visti per le loro tradizioni e i loro costumi. Poco più di 10 anni dopo sappiamo tutti a cosa avrebbe portato quest’odio terribile. Nota a margine: Come Venne al Mondo è l’unico rimasto di una trilogia di film dello stesso Wegener dedicati alla figura del golem e rappresenta il prequel di un film del 1915 di cui ci sono arrivati solo pochissimi frammenti.

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